18+
Материалы нашего сайта не предназначены для лиц моложе 18 лет.
Пожалуйста, подтвердите свое совершеннолетие.
Пожалуйста, подтвердите свое совершеннолетие.
Большим прорывом для российского павильона на Венецианской биеннале стал тот факт, что впервые в истории его целиком отдали не просто одному автору, а художнику-женщине — Ирине Наховой. В основном проекте биеннале участвуют еще две художницы из России — Ольга Чернышева и Глюкля, и еще несколько художниц, которых мы представляем, вполне могли бы там оказаться. Если оглянуться вокруг, то станет ясно: женские павильоны — тренд нынешней биеннале. Стоит ожидать дискуссий вокруг павильонов США и Великобритании, где покажут сольные проекты Джоан Джонас и Сары Лукас соответственно. Помимо этих двух стран, в пользу сольных женских выставок сделали выбор Австралия, Косово, Норвегия, Швейцария, Япония.
Ольга Чернышева (Род. 1962), окончив Всероссийский государственный институт кинематографии и Королевскую академию в Амстердаме, сосредоточилась на работе с видео и фотографией. Ее герои — обыкновенные люди: охранники, строители, женщины в меховых шапках, продавщицы матрешек. Все они заняты своими делами и погружены в свои мысли. Любое повседневное действие у Чернышевой замирает, превращаясь в размышление над общечеловеческими вопросами, любое незначительное занятие оказывается исполненным философским смыслом. Поэтические фото и видеозарисовки из метро, с улиц, из магазинов показывают меланхоличную картину не вполне благополучной жизни.
Чернышева участвовала в многочисленных международных биеннале, в том числе в Берлине, Сиднее, Стамбуле, Шанхае. В 2013 году в Кунстхалле Эрфурта состоялась ее персональная выставка Совозможности, а в 2015 году куратор Венецианской биеннале Оквуи Энвезор выбрал ее работы для основного проекта Все будущее мира (All the World’s Futures).
Наталья Першина-Якиманская (Род. 1969), выступающая в художественном пространстве под псевдонимом Глюкля, — перформансист, участница левой художественной группы «Что делать?». Она окончила текстильное отделение Ленинградского высшего художественно-промышленного училища им. В.И.Мухиной и первое время занималась тем, что расписывала шелковые ткани. Затем появились платья-объекты, а следом и перформансы с их участием. В это время Глюкля уже дружила и сотрудничала с Цаплей (Натальей Егоровой). В 1995 году они вместе основали перформанс-группу «Фабрика найденных одежд» (ФНО), на сегодняшний день одну из самых известных в России. На фабрике социальные проблемы, кройка новых образов и перешивание привычных смыслов стали основным производством. В прошлом году Глюкля и Цапля объявили о завершении деятельности ФНО, провели последний перформанс Final Cut в Московском музее современного искусства и занялись своими индивидуальными проектами.
Ирина Корина (Род. 1977) — современный мастер тотальных инсталляций. Первое образование она получила как сценограф, театральный художник (и работала в этом качестве), затем последовали художественные академии в Швеции и Австрии. Театральный эффект и продуманное соотношение элементов инсталляции для нее не пустой звук.
Ее яркие масштабные работы составлены из повседневных материалов: цветастой дешевой ткани и пестрых пластиковых скатертей, китчевых обоев, мусорных пакетов, деревянных балок, огромных сумок, которыми обычно пользуются челноки. Все это сопровождается видеопроекциями или звуковыми дорожками, естественными скрипами или фотографиями. В итоге перед зрителем либо вырастает дышащий тотемный символ современного капиталистического мира, либо открывается вход в воображаемую реальность.
Корина сотрудничает с галереями и музеями в России и за рубежом. В 2009 году участвовала в групповой выставке в российском павильоне на Венецианской биеннале.
Елена Ковылина (Род. 1971) в 2000-е годы поехала на Запад учиться искусству новых медиа и попала в класс к признанному мастеру западного перформанса и видео Ребекке Хорн. В собственных перформансах Ковылина часто выворачивает душу наизнанку, провоцирует и заигрывает со зрителем, тестирует возможности собственного тела. Так, в Вальсе после каждого тура с незнакомцем она опрокидывала стопку водки, а во время другой своей акции взбиралась с петлей на шее на табурет, выбить который из-под ее ног мог любой желающий. Ее перформанс с политическим подтекстом Равенство, когда люди разного роста вставали на табуреты с подпиленными ножками и оказывались одинаковыми, был показан на Manifesta в Санкт-Петербурге — правда, как пояснила художница, речь шла уже о равенстве не перед государством, как в оригинальной версии 2008 года, но перед Богом.
В последнее время художница все больше занимается живописью и интересуется научными и околонаучными теориями.
Таус Махачева (Род. 1981) занимается видео и устраивает перформансы. В 2014 году фотодокументация перформанса Каспийское море (художница предлагала зрителям попробовать кусочек торта в виде Каспийского моря и прилегающих к нему государств) попала в коллекцию антверпенского Музея современного искусства MUKHA. Художница отучилась в лондонском Голдсмитс-колледже, активно выставляется в Москве и за рубежом (в том числе на биеннале в Шардже и Ливерпуле), получает премии (в 2011-м за проект о дагестанских стритрейсерах Быстрые и неистовые отмечена российской премией «Инновация» в номинации Новая генерация). В последнее время она все больше времени проводит в родной Махачкале (Дагестан), где активно способствует росту и развитию сцены современного искусства.
Явление под названием «Молодые британские художники» (Young British Artists), хоть это определение уже давно устарело, оказало столь мощное воздействие на арт-сцену Великобритании, что вот уже 20 с лишним лет авторы, так или иначе связанные с аббревиатурой YBA, регулярно появляются в павильоне страны на Венецианской биеннале под крылом Британского совета, который является бессменным комиссаром павильона. В 1993-м на биеннале дебютировал Дэмиен Херст. За этим последовали выставки Рейчел Уайтрид (1997), Гэри Хьюма (1999), Марка Валлингера (2001), Трейси Эмин (2006). И вот настал черед Сары Лукас, самой отчаянной и наиболее последовательной художницы из того яркого поколения. Она известна своими скульптурами, в которых откровенно говорится об озабоченности сегодняшнего общества и массмедиа сексом, насилием, смертью. Из самых невинных обыденных вещей вроде матрасов, овощей, чулок, мебели и белья она умудряется составлять порой весьма непристойные и не лишенные юмора объекты, указывающие на гендерное неравноправие и стереотипы, которыми полны представления человека о сексе и отношениях мужчины и женщины.
В 2013 году инсталляцию живущей в Берлине художницы из Японии сиоты Тихару показывали в московском Манеже: гигантская паутина, сотканная из километров черных нитей и опутавшая белые платья, которые парили над полом как привидения, заставляла морозец пробежаться по коже. Для японского павильона Тихару задумала не менее масштабный, но не такой жутковатый проект Ключ в руке. Как это всегда бывает с ее инсталляциями, он предполагает вовлечение зрителей в создание работы. Если плести паутину в Манеже пригласили волонтеров, то для создания Ключа в руке художница в интернет-обращении попросила всех, у кого есть ненужные ключи, отправить их ей по почте. «Ключи — привычная и очень ценная вещь, защищающая дорогих нам людей и важные нам места. Они же вдохновляют нас открывать двери в неизведанные миры», — пишет Тихару в своем обращении к миру. В инсталляции, которая будет состоять из двух лодок и непременной паутины из красных нитей, ключи должны стать порталом для общения между сотнями людей, принявших участие в подготовке проекта и пришедших на него посмотреть.
Факт, что представлять страну (не признанную Россией) на биеннале выбрали именно женщину, возможно, особенно важен для Косово (официальной участницы биеннале с 2013 года), поскольку в мире искусства этого молодого государства по-прежнему преобладают мужчины. Флака халити еще в 2007 году весьма однозначно высказалась насчет вопиющего дисбаланса. На вопрос о том, почему в современном искусстве Косово так мало женщин, она получила не слишком остроумный ответ: «Потому что у них нет яиц». Реакцией на бессмысленное объяснение стал акт неповиновения, а вернее, художественная акция, заснятая на видео. В ходе нее Халити пронесла на выставку молодых художников бычьи яйца.
Впрочем, Халити не всегда так саркастична. Она не боится заступать на территорию своих личных переживаний и некоторые свои работы посвящает отношениям на расстоянии. При этом не обязательно романтическим и не обязательно с другими людьми — в одной из своих инсталляций она говорила о том, как люди влюбляются в искусство и со временем охладевают к нему. В ее проектах много исследовательской работы. Занимаясь проблемами миграции и национальных сообществ, она взяла десятки интервью у топ-менеджеров крупных корпораций, приезжающих на работу в Германию и не говорящих по-немецки, чтобы разобраться в том, кто такой современный мигрант, что означает сегодняшний интернационализм и, естественно, где ее — художницы, живущей между Косово, Германией и Австрией, — место в этой системе международных личных отношений.
В 2015 году павильон Северных стран находится в полном распоряжении Норвегии, которая продемонстрирует в нем сольный проект камиль Нормен. Художница рисует, создает световые скульптуры и звуковые инсталляции, снимает видео и ставит перформансы, а еще в составе электронного трио Camille Norment Trio играет на стеклянной гармонике — инструменте, звучание которого ассоциируется с чудесами и сказками. Звуки, способные преодолевать любые границы, — ее главный материал, шум, который она называет «активной тишиной», — составляющая ее инсталляций, в которых Нормен пытается разобраться в историческом и культурном значении звука как такового. Новый проект, над которым Нормен работает для павильона Северных стран, называется Экстаз. Видимо, именно его должны испытать посетители, попав внутрь ее аудиовизуальной инсталляции, посвященной разного рода диссонансам — не только звуковым, но и культурным, и личностным. Помимо инсталляции, проект будет состоять из серии выступлений музыкантов и певцов (их можно будет услышать в дни открытия биеннале и в определенные дни в течение ее работы), а также из трех публикаций.
Памела Розенкранц, недавно перебравшаяся из Цюриха в Нью-Йорк, станет художницей швейцарского павильона в возрасте всего лишь 35 лет.
Вопросы, которые она исследует — а ее художественная практика сродни научной, — затрагивают фундаментальные основы существования человека в мире с момента его появления. Им же будет посвящен и венецианский павильон.
В нем покажут живопись, скульптуры и инсталляции Розенкранц, подводящие промежуточный итог ее расследований, в ходе которых она углубляется в изучение философии и истории религии, маркетинга и медицины, нейропсихологии и биологии. Все это — чтобы наиболее полно представить физическое функционирование человеческого тела и то, как эти физические процессы воспринимались культурой, какое влияние имели на природу.
Собственно искусство для нее, скорее, платформа, визуальный инструмент, позволяющий задать часто неудобные вопросы о воздействии человека на окружающую среду, о его зависимости от маркетинговых уловок, о подмене ценностей. Так, она нередко использует пластиковые бутылки из-под минеральной воды, на этикетках которых можно прочитать слоганы о ее оздоровляющем воздействии. Для Розенкранц — это лучший символ коммерциализации самой природы. Художница превращает в артефакты кроссовки популярной марки ASICS, название которых расшифровывается как «в здоровом теле — здоровый дух», то есть здоровье, данное природой, тоже становится разменной монетой.
Она распечатывает на принтере листы фирменного синего цвета Ива кляйна: Кляйн утверждал, что существует нематериальная ценность искусства, — Розенкранц, напротив, показывает, что от его материальности никуда не денешься. А заодно напоминает, что синий цвет лучше всего воспринимается глазом человека, конструкция которого была сформирована еще в доисторические времена, когда жизнь существовала только в мировом — синего цвета — океане.
Фиона Холл — хорошо известная в Австралии художница, чья карьера началась еще в 1970-е годы. Первое время она занималась исключительно фотографией: снимала пейзажи и окружавшую ее природу так, будто это декорации к вымышленным ею фантастическим историям, затем начала использовать снимки как материал для создания теперь уже полностью выдуманных образов. В начале 1990-х она решает оставить фотографию и включить в свой изобразительный арсенал скульптуру, видео и инсталляции.
Несмотря на фундаментальные перемены в творческих методах, взаимоотношения природы и культуры, связь человеческого тела с животным миром, влияние техногенного на природное и, как следствие, проблемы экологии и глобализации оставались для нее первостепенными. Теперь они получили совершенно новое визуальное выражение: главным материалом Холл стали повседневные вещи, найденные предметы, обрывки и ошметки, веревки и проволока, перья и пух, пластик и алюминиевые банки. Составленным из них похожим на тотемные божества объектам легко предъявить обвинения в ремесленности и декоративности, но при желании зритель рассмотрит в них политический подтекст: бутон с военным камуфляжным узором сделан из бус, которые колонисты некогда использовали как валюту, чучела исчезающих видов птиц — из пластика.
В павильоне Австралии подобные безрадостные и иногда язвительные комментарии относительно положения дел в современном мире будут собраны в инсталляцию Wrong Way Time, поделенную на три смысловые части: мировые конфликты, финансы и экология.
Отучившись в начале 1960-х в Бостонском и Колумбийском университетах на скульптора, Джонас поняла, что в этом виде искусства ей будет сложно придумать что-то новое. Тот факт, что скульптура исторически была скорее мужским занятием, не добавлял ей энтузиазма. Зато добавил решимости обратиться к новым визуальным формам. И изобретательности, благодаря которой сегодня ее называют классиком перформативного и мультимедийного искусства. Она одной из первых показала безграничные для искусства возможности видеокамеры и переосмыслила экран как скульптурный объект.
Ее ранние работы — перформансы Mirror Pieces с использованием зеркал, видео и фотографии из серии Organic Honey — были поисками женской идентичности в искусстве. Позднее она начинает много работать с литературными источниками: сказками, фольклором, поэзией. На их основе она создает почти мистические действа, в которых происходит синтез всех подвластных ей искусств. Она сама снимает видео и фотографирует, сама создает саундтреки и сценарии, придумывает декорации и делает скульптурные объекты и рисунки.
В последнее время ее особенно интересовало творчество нобелевского лауреата по литературе халлдора лакснесса. В 1960-е он опубликовал роман о духовности природы, рассказав историю исландского ледника, которая легла в основу проекта Джонас для Documenta 13. Исследования природного единства продолжатся и на биеннале, а американский павильон станет отправным пунктом тотального погружения в мир воображения художницы.
