18+
Материалы нашего сайта не предназначены для лиц моложе 18 лет.
Пожалуйста, подтвердите свое совершеннолетие.
Пожалуйста, подтвердите свое совершеннолетие.
Кризис 2014 года для российских галерей был не первым (первый случился в 1998-м), но оказался самым затяжным. Политический фон провоцировал скачки валют и неуверенность покупателей в своих заработках. Спрос на предметы роскоши, к которым можно отнести и искусство, падал. Галереи крутились, как могли, проверяя старые стратегии на прочность и пробуя новые форматы. Ставка на зарубежные ярмарки, образовательные либо консалтинговые услуги, сотрудничество с дизайнерами или гибрид с другим бизнесом — возможностей много, а цель одна: сначала — выжить, а потом — развиваться.
Большинство галеристов сходятся во мнении, что ярмарки — крупнейшая статья расходов, но и отдача от них немалая. Марина Гисич считает зарубежные ярмарки способом расширить пул коллекционеров и получить узнаваемость на международном рынке, хотя далеко не всегда эта деятельность выходит в ноль.
Галерея Iragui увеличивает количество ярмарок. «Из-за кризиса 2014 года мы утвердились в мысли, что нужно занимать место на международном рынке, — делится соображениями Екатерина Ираги. — Объем продаж российским коллекционерам уменьшился, а их число не растет». Помимо Cosmoscow и viennacontemporary, галерея с 2015 года регулярно участвовала в Art Dubai и Drawing Now Paris, с 2016 года — в Artissima, в 2018-м прибавились Art Rotterdam и ARCO Lisbon.
«Галерея должна участвовать в ярмарках, по нашим наблюдениям, минимум два раза в год, — считают основатели галереи Osnova Дмитрий Ветров и Алена Курмашева. — Эта строчка расходов самая высокая, хотя приносит до 50% годовой выручки. Мы стараемся селективно подходить к участию, выбираем ярмарки, искусство участников которых близко нам по духу».
Есть и исключения. Галерея «Триумф» сознательно прекратила участвовать в ярмарках после 2014 года. Елена Селина, сооснователь XL Gallery, одной из старейших и самых активных московских галерей, с 2014 года оставила в графике только российскую Cosmoscow из солидарности с «отечественным производителем» и сократила строчку расходов на зарубежные ярмарки. «Если ездишь на ярмарки высокого уровня, то должен присутствовать на нескольких сразу и делать это регулярно, — объясняет Селина. — Это Art Basel с тремя филиалами, Frieze с двумя, хорошо бы FIAC. Одна такая ярмарка выходила галерее минимум в €50 тыс. Пока нет стабильного арт-рынка и „подушки безопасности“, я не могу себе этого позволить». XL Gallery — одна из немногих российских галерей, которая участвовала в ярмарках высшего эшелона на протяжении десятилетия. На ее счету ежегодные Art Basel с 2006 по 2010 год, Frieze с 2006 до 2011 год, Art Basel Miami Beach и FIAC с 2006 по 2009 год и Art Basel Hong Kong в 2012 и 2013 годах.
Относительно новый формат — поп-ап-проекты вместо постоянного пространства. Такой ход кажется логичным в том случае, если галерея наработала свою базу контактов и не нуждается в стабильной «витрине», по сути он ближе к арт-дилерству.
Осенью 2017 года Pechersky Gallery съехала с «Винзавода», где провела последние пять лет, предпочтя временные выставки на музейных и других площадках. На этом галерея сэкономила порядка €20–30 тыс. в месяц. «Мы стали больше привлекать фрилансеров под конкретные задачи, в штате сегодня работает три человека. Сейчас мы в большей степени сконцентрировались на самих художниках, помогая им попасть в международные резиденции, финансируя их поездки и производство новых работ. Параллельно с этим активно ищем партнеров среди российских и зарубежных музеев», — рассказывает Марина Печерская.
И все же поп-ап пока экзотика. По словам большинства галеристов, постоянное пространство — знак стабильности и покупатель его ценит. «Когда у тебя нет площадки, сложно ездить на ярмарки и сотрудничать с зарубежными художниками. Пространство — это гарант надежности и показатель уровня галереи», — говорят Дмитрий Ветров и Алена Курмашева. Их галерея Osnova, открывшаяся на «Винзаводе» в 2014 году, начиналась как онлайн- и поп-ап-проект, и переход в офлайн, в их представлении, несомненный рост.
Ксения Подойницына («Галерея 21») считает, что качество пространства — вклад в имидж галереи. «Когда люди заходят в 350 кв. м с высоченными потолками, для них это показатель успешности, им приятно проводить здесь время», — уверена она.
Выставка художника в музее важна для его имиджа, а значит, и для галериста, который продает этого автора. Далеко не всегда эти вложения напрямую оправдываются. «Это создание символического капитала, и ничего больше», — объясняет Дмитрий Ханкин, совладелец галереи «Триумф», у которой в среднем треть выставок в год — музейные проекты.
Для XL Gallery, представляющей в своем пространстве в основном большие site-specific-проекты, выставка сама по себе — это и художественное высказывание, и вложение в художника, потому что клиент купит скорее работу из запасника, чем инсталляцию. «Я любую выставку воспринимаю как рекламу, — объясняет Елена Селина. — Это моя инвестиция, и годы показали, что она оправдывается: в 2000-е покупали ровно тех, кого мы активно выставляли в 1990-х, а Иру Корину, например, начали покупать после серии абсолютно некоммерческих выставок. Удачные проекты спустя какое-то время повлекли за собой интерес к произведениям. Художник должен быть на виду и на слуху». Ирина Корина, один из немногих российских художников, создающих крупные инсталляции, в 2017 году стала участницей основного проекта Венецианской биеннале.
Некоммерческие выставки и музейные проекты требуют от галереи дополнительных вложений, которые не окупаются напрямую через продажу. Не уйти в минус помогает привлечение внешних средств. Активно ищет спонсоров на это направление петербургская Anna Nova. Доказала свою эффективность и модель, которую внедрила Елена Селина в 2012 году, возобновив некоммерческое подразделение XL Projects. «До этого мы все выставки, в том
числе в музеях, делали на свои средства, музей предоставлял только пространство, — рассказывает Селина. — С появлением XL Projects мне стали предлагать выставки, которые оплачивает сама институция, а я работаю как куратор — и для меня это маленькая гордость».
Совместить в одном пространстве галерею с другим бизнесом — формат, набирающий популярность. Бар «Перелетный кабак» действует и как галерея (искусству отведены два выставочных зала). За ее политику отвечают дилер и коллекционер Максим Боксер и художник Владислав Ефимов. В галерее «Роза Азора» работает антикварный магазин; помимо искусства, там продаются винтажные предметы гардероба и быта.
Онлайн-торговля искусством переживает бум во всем мире и уже делает первые шаги в России. Интернет-магазин 28bugs, где продается доступное искусство до €2 тыс., есть у Anna Nova. Его задача — не только продажа конкретных объектов, но и популяризация искусства и дизайна в целом. У «покупателя из Интернета» размер кошелька и стаж коллекционирования обычно меньше, чем у обычного клиента галереи, однако, заинтересовав его, можно получить лояльного коллекционера в будущем.
В 2013 году Владимир Овчаренко, основатель одной из первых российских галерей «Риджина», закрыл ее лондонский филиал, который просуществовал два года. Галерист посчитал, что потенциал локального рынка гораздо выше, и основал аукционный дом Vladey. На торги Овчаренко берет работы у коллекционеров, галерей и напрямую у художников. На аукционы Vladey выставляются произведения как начинающих авторов, так и больших фигур: Ильи Кабакова, Ивана Чуйкова, Михаила Шварцмана.
С этой же нишей начал работать как продавец Игорь Маркин. До того он находился на другой стороне сделки — был коллекционером, а в 2015 году из частного музея Art4.ru сделал «музей, который торгует искусством» Art4. С натяжкой это предприятие можно назвать галереей: Маркин не только берет работы у художников, но и делает выставки совместно с другими галереями. С 2016 года к этому добавился онлайн-аукцион, работы с которого можно посмотреть в пространстве Art4.
Публику нужно просвещать — это известно давно. Таким способом можно убить сразу двух зайцев: поднять уровень осведомленности своей постоянной аудитории и привлечь новую. Елена Селина отмечает, что новое поколение коллекционеров — это достаточно образованные люди, для которых не только Марина Абрамович, но и группировка ЗИП — молодые краснодарские художники и активисты, лауреаты Премии Кандинского и «Инновации» — не пустой звук. Во многом это результат бума образовательных программ в музеях. «Мне раньше было стыдно и смешно объяснять искусство. Теперь же я рассказываю и пишу тексты, потому что поняла, что российский человек литературоцентричен, он любит слушать, поэтому так популярны экскурсии авторов и кураторов», — говорит Селина.
Галерея Anna Nova проводит образовательные мероприятия, выпускает бесплатный журнал Booklet. Ксения Подойницына открыла в своей галерее арт-клуб, где читают лекции не только по искусству — они же приводят новых людей. С той же целью за счет привлечения частных средств она создала аналитический проект InArt, где пытается говорить с бизнесменами об искусстве на языке цифр, раскрывая его инвестиционный потенциал.
Помимо продажи работ, многие галереи оказывают и другие услуги. Так, у «Триумфа» основной доход приносит далеко не основная деятельность. «„Триумф“ больше чем галерея, — рассказывает Дмитрий Ханкин. — С одной стороны, это фонд, институция, с другой — продакшен-компания и многое другое». Галерея не брезгует даже сдачей пространств в аренду, но делает это выборочно: помещение сдают лишь тем, кто близок по духу.
Для большинства галерей дополнительные услуги, скорее, средство стимулировать продажи искусства. Галерея Osnova занимается консалтингом и менеджментом коллекций. Консалтинговые услуги также оказывают Pechersky Gallery и Marina Gisich Gallery.
Почти все галеристы сходятся в том, что очень успешным оборачивается сотрудничество с дизайнерами интерьеров, причем не только по результатам продаж. Для Елены Селиной работа с дизайнерами — это и бизнес, и удовольствие. «Передо мной ставят задачу включить произведение в интерьер квартиры, и я с радостью подбираю три-четыре варианта», — говорит она.
У Марины Гисич — своя студия, она начала заниматься дизайном интерьеров через четыре года после основания галереи в 2000 году. Получилось два независимых бизнеса, которые связаны между собой. «Часто клиенты из дизайна становятся коллекционерами галереи», — утверждает Гисич.
Шанс рассказать о современном искусстве людям, которые не ходят в галереи, — то, что ценит в работе с интерьерами Юлия Анненкова, директор галереи «Агентство Art.ru». «Самое приятное — то, как меняется подход у дизайнеров. Сначала приобретается искусство, а уже под него выстраивается интерьер. У нас было несколько таких случаев», — вспоминают Дмитрий Ветров и Алена Курмашева.
Крепкую альтернативу галереям как бизнесу составляют художники, которые занялись собой сами. Хотя первым в голову приходит самый яркий пример — Александр Петрелли с галереей «Пальто», который продает работы своих коллег с подкладки собственного одеяния, артистично и со вкусом, — он далеко не один. Образец бодрого художественного кооператива — проект Mos.Кoop…, где можно купить работы напрямую от художников. В него вошли мастера преимущественно круга московского концептуализма: Николай Овчинников и его жена Мюриэль Руссо-Овчинникова, Никита Алексеев, Константин Звездочетов, Игорь Макаревич, Елена Елагина и другие. Но для того, чтобы продать самому свое искусство, далеко не всегда приходится городить такие сложные огороды. Технологии не стоят на месте, и сделать из своей страницы в Facebook или Instagram витрину — цель вполне реальная. Однако это уже тема для отдельной истории.
